개교 50주년 기념특별전 Part Ⅱ <Coexistence>

 대구보건대학교 개교 50주년 기념 특별기획전 Part Ⅱ 오트마 회얼 <Coexistence>를 준비하였습니다.

이번 전시는 대구보건대학교가 걸어온 50년의 발자취를 기념하고, 개인의 경험과 발전이 인류사에 어떠한 영향을 저었는지 예술가의 시각으로 구성했습니다.

세계적인 공공미술가인 오트마 회얼은 예술의 문턱을 낮춰 대중들의 끊임없는 관심과 궁금증을 유발해 문화의 가치와 중요성을 알리는 독일 작가입니다.

인당뮤지엄은 앞으로도 지역의 대표적인 복합문화공간으로 지역사회와 더불어 선한 영향력을 펼치고자 예술을 통해 소통하려 합니다.

문화의 의미를 새롭게 살펴보는 이번 전시에 여러분이 함께 빛내주시기 바랍니다.

2021.05

대구보건대학교 총장 남 성 희

Daegu Health College presents Ottmar HÖrl's <Coexistence> as Part Ⅱ of Special Exhibition to commemorate the school's 50th anniversary.

This exhibtion commemorates the footsteps of past 50 years of Daegu Health College and presents an artist's view of how personal experience and development have affected human history.

Ottmar HÖrl, a world-renowned German public artist, has lowered the barrier to art for the public. He constantly induces interest and curiosity from the public to promote the value and importance of culture.

Indang Museum will continue to be a complex cultural space representative of Daegu and to communicate through art to spread positive influences to the community.

Please pay your warm attention to this exhibition, which re-examines the meaning of culture.

2021.05

President of Daegu Health College Nam Sung Hee 

개교 50주년 기념특별전 Part Ⅱ <Coexistence>

개교 50주년 기념특별전 Part Ⅱ <Coexistence>

Ottmar Hörl

 Ottmar Hörl lives and works in Frankfurt am Main and Wertheim, Germany.

2015 CREO Innovation Award for Creativity, Frankfurt a. M./Mainz, German Society for Creativity (Deutsche Gesellschaft für Kreativität)

2005–2017 President of the Academy of Fine Arts (Akademie der Bildenden Künste), Nuremberg

2002 Intermedium Award, BR/ZKM Karlsruhe, along with Rainer Römer and Dietmar Wiesner (Ensemble Modern)

1999-2018 Professor of fine arts at the Academy of Fine Arts (Akademie der Bildenden Künste), Nuremberg

1998 Wilhelm Loth Award awarded by the City of Darmstadt

1997 art multiple Award awarded at the International Art Fair (Internationaler Kunstmarkt), Düsseldorf

1994 Förderpreis für Baukunst (Grant for Architecture) awarded by the Academy of Arts (Akademie der Künste), Berlin (with Formalhaut)

1992–1993 Visiting professorship at Graz University of Technology, Austria (with Formalhaut)

1985 Founding of the group Formalhaut, with architects Gabriela Seifert and Götz Stöckmann

1979–1981 Studies at the Academy of Fine Arts (Kunstakademie), Düsseldorf, with Prof. Klaus Rinke

1978–1981 scholarship from Studienstiftung des deutschen Volkes (German National Academic Foundation)

1975–1979 Studies at the Academy of Fine Arts (Hochschule für Bildende Künste) –Städelschule, Frankfurt am Main

1950 Born in Nauheim

SOLO EXHIBITIONS AND SCULPTURAL – PROJECTS(SELECTION)

2021 Ottmar Hörl. Coexistence-공존, Indang Museum, Daegu, South Korea(KOR) Landau [Full of Optimism!],sculptural project, town hall of the City of Landau in der Pfalz.

2020 Ottmar Hörl. Pallaksch, Pallaksch!, Friedrich Hölderlin sculptural project,to mark Friedrich Hölderlin's 250th birthday, Tübingen municipal area, in cooperation with Art28 and the City of Tübingen

Ludwig van Beethoven – Ode to Joy, sculptural installation, VDNKh Park, Moscow, and other places in Russia, to mark the Year of Germany in Russia (2020/21), in cooperation with the German National Tourist Board (DZT), the German Embassy in Moscow, Goethe Institute in Moscow and the Muscovite government (RU)

Flashmob, Wertheim municipal area, in cooperation with the City of Wertheim and Stadtmarketing Wertheim e.V.

250 Jahre Beethoven [250 Years of Beethoven],sculptural installation, Wertheim Village Ottmar Hörl.CJKCentrum voor Jonge Kunst, Ghent (B)

2019 Ottmar Hörl. Der springende Punkt [The Salient Point], Bode Galerie, Nuremberg

KING KONG, large-scale sculpture erected on the occasion of the 5thUrbanArt Biennale® 2019 Unlimited, Völklingen Ironworks World Cultural Heritage Site -European Centre of Art and Industrial Culture, Völklingen

Ottmar Hörl. JEDER GEGEN JEDEN [Everyone against Everyone], sculptural project,Kunsthalle Schweinfurt

Ottmar Hörl. Bertolt Brecht -per aspera ad astra, sculptural project, park surrounding the Göggingen Kurhaus, Augsburg, in cooperation with Arno Buchegger Foundation, Augsburg

Ottmar Hörl. FREMDE WESEN [Alien Beings], Kunstverein Kirchzarten e.V.[Kirchzarten Art Society] Ottmar Hörl.

Der Keltenfürst vom Glauberg [The Celtic Prince of Glauberg], sculptural project,

Hesse State Archaeological Museum/Keltenwelt am Glauberg, in cooperation with the Hessian State Ministry for Higher Education, Research and the Arts and Hessen Agentur, Wiesbaden

Lunch Break, London Festival of Architecture, in cooperation with KHBT, London (GB) Ottmar Hörl Ludwig van Beethoven – Ode an die Freude [Ludwig van Beethoven – Ode to Joy], Münsterplatz, Bonn, i01n cooperation with city-marketing bonn, Bürger für Beethoven, and BTHVN

2020 Portfolio Wild Thought, Johannes Brus and Ottmar Hörl, Biblioteca Nazionale Marciana, to coincide with the 58.Esposizione Internazionale d'Arte, La Biennale di Venezia, Venice(I) Familientreffen [Family Gathering], Rüsselsheim Ottmar Hörl. Gottlieb Daimler, sculptural project, Remstal Garden Show

2018 Der Keltenfürst vom Glauberg [The Celtic Prince of Glauberg], sculptural project, Opernplatz & Römerberg, Frankfurt am Main, in cooperation with the Hessian State Ministry for Higher Education, Research and the Arts, and Hessen Agentur, Wiesbaden

Ottmar Hörl.Busan Museum of Art (KOR) / König Ludwig II.[King Ludwig II], sculptural project, Nymphenburg Palace grounds, Munich / BLACK MAGIC gutenberg@eltville, sculptural project, grounds of the Electoral Castle, Eltville am Rhein

Ottmar Hörl. Wölfe im Schloss [Wolves at the Castle], sculptural project and exhibition, Schloss zu Hopferau Ludwig Erhard, sculptural project to mark the opening of the Ludwig Erhard Zentrum (LEZ), Fürth

Mensch Albert [Gee Albert], sculptural project and exhibition, Münsterplatz and Ulm

Museum, City of Ulm Erlebnis in Weiß, Skulpturen von Ottmar Hörl [Experience in White, Sculptures by Ottmar Hörl], Förderverein Weinerlebnispfad,Landau-Nußdorf

SECOND LIFE –100 Arbeiter [Second Life –100 Labourers],Völklingen Ironworks World Cultural Heritage Site -European Centre of Art and Industrial Culture, Völklingen

2017 Ottmar Hörl, Zwischen Himmel und Erde [Between Heaven and Earth], Museum in der Zehntscheuer, Balingen

Die Nürnberger Madonna [The Nuremberg Madonna], sculptural project, Kornmarkt, Nuremberg, in cooperation with Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg

Ottmar Hörl Skulptur [Ottmar Hörl Sculpture], Walhall Lounge, festival hill, Bayreuth Figurinen / Skulpturen von Ottmar Hörl 1994 –2017 [Figurines. Sculptures by Ottmar Hörl 1994-2017] Wedel, monastery ruins, Bad Hersfeld

ALLER ANFANG IST SCHWER [The First Step is Always the Hardest], sculptural

project featuring 300 Zeppelin sculptures, Zeppelin Museum Friedrichshafen

2016 Ottmar Hörl. Der MAULWURF [Ottmar Hörl. The MOLE], Hospitalplatz and

Residenztheater Stuttgart, Schlossplatz, Stuttgart Municipal Library, Stuttgart City Hall Ottmar Hörl. Protestantische Provokationen [Ottmar Hörl. Protestant Provocations], sculptural project to mark the Luther year, Wertheim

Hörls Tierleben [Hörl's Animal Life],Kleine Erleninsel, Waiblingen, in cooperation with the Stiftung LebensZeit foundation

Ottmar Hörl. Rückert für alle [Ottmar Hörl. Rückert for Everyone], sculptural project, Schweinfurt market square and Kunsthalle Schweinfurt, in cooperation with Kunstverein Schweinfurt [Schweinfurt Art Society]

Ottmar Hörl. Avantgarde-Schnecken-Invasion [Ottmar Hörl. Invasion of the Avant Garde Snails], Dalles, Essenheim, in cooperation with Kunstverein Essenheim [Essenheim Art Society]

Theodor Fontane -Wanderer zwischen den Welten [Wanderer between the Worlds], sculptural project and exhibition on the occasion of the 200thbirthday, Neuruppin Kulturkirche and grounds of the Kulturkirche, Neuruppin

WELTERBE-Tag [World Heritage Day], sculptural project with Luther sculptures, Kunstsammlungen der Veste Coburg [Veste Coburg Art Collections]

In the years from 1980 to 2021, Ottmar Hörl's artistic and conceptual work has been presented to a broad public in numerous exhibitions and exhibition participations in Germany and worldwide 

개교 50주년 기념특별전 Part Ⅱ <Coexistence>

오토마 회를-

질문을 던지는 물질들

박영택 (경기대교수, 미술평론가)

독일의 현대미술 작가인 오토마 회를의 작품에는 서구 현대미술의 여러 측면들이 동시다발적으로, 복합적으로 연계되어 있다. 20세기 이후 전개된 모더니즘과 후기모더니즘의 대표적인 미술 담론이 모두 망라되어 있다는 인상이다. 탈 재현 미술로부터 시작되어 레디메이드아트, 그리고 팝아트와 개념미술, 미니멀리즘, 그리고 요셉 보이스가 주창한 사회적 조각에 대한 개념에 이르기까지 회를이 보여주고 있는 작업의 스펙트럼이 매우 넓고 깊어 보인다. 그는 자신에게 큰 영향을 끼친 대표적인 현대미술가 4인, 그러니까 피카소, 뒤샹, 워홀, 보이스를 언급하면서 이들 스승에 대한 존경심을 표명한 바 있다. 이들의 영향이 작가 자신의 작업에 짙고 강하게 스며들어 있다는 생각이다. 그는 이들 중 뒤샹과 보이스의 초상 조각을 만들어 이를 반복해서 설치하기도 했다. 이들에 대한 오마주의 성격이 짙은 작품이다. 동시에 이들로 인해 형성된, 상식이 된 현대미술의 담론, 개념의 무한한 복제성에 대한 비판적 언술로도 읽힌다.

오토마 회를의 작업은 서구현대미술사에 기반 한 작업인 동시에 본인이 이해하고 있는 현대미술의 핵심적 성격에 따른 반응이다. 그는 “사회 내에서 충격을 촉박시킬때에만 예술가는 사회 내에서 어떤 가치가 있다”고 말한다. 오늘날 미술은 단지 장식적인 시각이미지이거나 물질적 존재가 아니라 사물과 세계를 보는 눈을 확장시키고 이를 새롭게 인식시키는 매개의 역할을 한다. 근대 이전의 시각이미지들이 특정한 목적에 종속되었던 물건으로서의 기능을 담당했던 것이었다면 근대 이후의 미술(ART)은 미술의 개념을 질문하는 일이자 동시에 사회 내에서 미술의 역할을 반성하는 일이 되었다. 그것은 불가피하게 미술의 개념적인 성향을 견지하면서 시각이미지와 물질 등을 빌어 삶과 문화 전반에 관한 총체적인 반성적인 질문을 유도하고 사람들에게 주어진 현실 내의 다양한 문제들에 대해 성찰하도록 유도하는 역할을 하게 되었다. 오토마 회를의 작업 세계 역시 이 범주 안에서 작동한다. 그의 다양한 작업은 궁극적으로 관람객의 오감을 일깨우고, 질문을 던지고, 이해를 돕고, 새로운 시각으로 바라보게끔 하고자 하는 것이다.

1. 이번 대구 인당미술관에 선보이는 작품들은 크게 평면 작업과 입체로 구분할 수 있는데 평면 회화작업은 우선 <alien beings>과 <ll Mare>가 있다. <alien beings>는 작가의 신체적 행위와 물감의 물성이 두드러지게 강조되는 회화 작업이자 특정한 대상의 재현에서 벗어나 자발적인 선의 운동과 에너지가 우선하면서 기이한 생명력을 지닌 선/덩어리가 불확정적으로 확산되는 우연적 양상을 선보이는 특이한 드로잉에 해당되는 그림이다. 그것은 물감에게 생명력을 부여하고 그로부터 또 다른 존재를 찾아가는 여정을 흥미롭게 추적하게 한다. 한편 <ll Mare>는 순간적이고 급박하게 쓸고 나간, 추상표현주의풍에 유사한 붓질의 궤적이 만든 흔적이 그대로 파도의 이미지를 연상시켜주는 동시에 물감의 물질성을 그대로를 생생하게 감촉시키는 회화작품이다. 알루미늄과 플라스틱을 사용한 <Lego wall object>작업 또한 기하학적인 추상의 외형을 거느린 오브제 회화로 볼 수 있다. 이와 유사한 사례는 다분히 개념미술에 해당하는 것으로 화학 공식 내지 여러 공식을 수집해서 이를 알루미늄판위에 실크스크린으로 전사한 작업인 <collection of formulas>시리즈와 역시 같은 맥락의 작업에 해당하는 것으로 별자리의 집합체 이름을 묶어 놓은 <constellation>시리즈가 있다. 이미 기존에 있는 특정 기호, 공식, 이름을 차용해서 기계적인 방법론을 통해 다시 제시하는 방식이다. 미술과 비미술, 일상과 미술의 경계를 부단히 해체하고 그 차이를 애매하게 만드는 작업인 동시에 특정한 이미지 대신에 이름, 단어를 주고 그것을 보고 읽고 관객들이 기억과 관념에 호소하는 작업이기도 하다. 이 경우 작품의 완성은 망막이 아니라 관객의 지각, 뇌에서 이루어진다.

입체작업의 경우는 그가 존경하는 미술가의 두상을 길고 폭이 좁은 좌대 위에 올린 시리즈가 있다. 뒤샹과 보이스가 그 경우에 해당하는 인물이다. 이와 유사한 사례로는 크기가 다른 그릇을 겹쳐서 쌓아 올린 경우가 있다.(Modern Sculpture) 인물 조각과 동일한 맥락에서 두상 대신에 일상의 오브제를 서로 어긋나게 겹쳐 올리면서 의미심장한 조각적 소재로 탈바꿈시키는 전략은 레디메이드 작업을 연상시키는 한편 여전히 전통적인 조각을 조각이게 하는 제도인 좌대를 끌어들여 둘의 관계를 긴장감 있게 맞물려 놓는다. 어떤 종류이건 받침대 위에 놓는

것은 그 물질의 현존성을 은연중 부정하는 것이다. 무대나 그림틀과 마찬가지로 조각의 받침대는 조각상을 비현실적인, 따라서 특별히 주의가 집중되는 지평 위에 올려놓는다. 오트마 회를은 작은 두상을 길게 변형된 좌대 위에 올려놓고 독특하게 위치시켜 보여준다. 먼거리에서 조망하듯 보게 되고 풍경처럼 자리한 두상은 현실적이면서도 비현실적이다. 무한히 반복되는, 익숙한 존재이자 현대미술의 상식이 되어 버린 이들이며 이내 제도가 되어버렸지만 여전히 새롭게 해석되고 계승되어야 할 부분이기도 하다.

그런가하면 스위스에 위치한 마터호른 산을 작게 만든 모형을 반복해서 설치한 경우도 있다. 보는 시점에 따라 지속해서 변화되는 모습을 보여주는 이 산의 모형 자체도 매우 익숙한, 클리쉐가 되어 버린 이미지이기도 하다. 이런 이미지의 차용은 팝아트적 차용에 유사하다. 또한 작은 콘센트를 여러 개 조합해서 덩어리를 이룬 작업(Black Stone)은 오브제로 만든 조각적인 경우에 해당한다.

2. 오토마 회를은 자신의 작품 활동과 그로 인한 모든 미술적 가치를 미술가와 동일시한다. 회를의 작품에 있어서 개념이란 핵심적이고 최우선이다. 매력적이고 잘 만들고 장식적인 미술이란 것은 그에게 부차적이거나 큰 의미를 지니지 못한다. 무엇보다도 중요한 것은 ‘개념’이다. 이는 물론 뒤샹으로부터 받은 영향이다. 회를 역시 외적인 또는 내적인 동기에 의해서 작품을 구상하거나 특정한 의미를 지닌 사물로서의 작품을 제작하기 위하여 자신의 창의력과 기술을 동원하는 대신, 기존의 사물/오브제를 선택하고 제시하는 편이다. 알다시피 뒤샹은 무관심하게 선택하였고 새롭고 유일한 것으로서의 작품 대신 일상의 대량생산된 물건을 작품으로서 제시하였다. 별다른 미학적 특징이 없는 기존에 있는 대량생산품 중 하나를 선택한 다음 그 제품을 본래의 기능적 역할로부터 해방시키고 쓸모없게 만들어버렸다. 그리고 제목을 붙여 그 대상을 바라보는 사람들의 관점과 배경 지식을 전복시킴으로써 실질적인 예술품으로 승화시켰다. 뒤샹의 ‘레디메이드’라 일컫는 기성 조각품이 바로 그것이다. 그로인해 작가가 만든 것이 아닌 생각해낸 아이디어가 곧 작품이 되었다. 이러한 미술가의 개입을 최소화시킨 뒤샹의 전략은 이후 현대 미술가들에게 미술작품이란 무엇인가를 자문하게 만들었다. 아울러 일상의 모든 것이 미술이 될 수 있었다.

오토마 회를 역시 자신의 일상에서 작업의 아이디어를 지속해서 수집, 끌어온다. 자신에게 커다란 영향을 미친 대가들의 얼굴 사진, 마터호른의 사진, 일상에서 접하는 콘센트(레디메디드), 레고, 화학공식이나 별자리의 이름 등이 그것이다. 이것들이 미술품이 제작되는 과정은 창조 또는 변형의 과정이라기보다 현실세계에서 빌려 온 단편들을 병치시키는 일련의 과정이기도 하다.

한편 오토마 회를이 공식이나 단어만 보여주는 것은 이른바 언어미술(Word art), 개념미술의 대표적 사례에 해당한다. 벽에 붙어 있는 문자나 기호에 의한 정의는 시각적으로 현존하는 동시에 그 명칭의 사물이나 개념에 대한 기억들을 상기시킨다. 또한 그 명칭만이 적힌 미술작품(?)과 명칭이 지칭하는 실제 사물간의 차이점을 강조하고 있다. 이는 회화와 조각의 한계를 초월하려는 시도에 해당한다. 비물질적인 존재를 지니고 있으면서 동시에 개념에 전적으로 의지하게 한다. 그리고 이러한 문자, 기호는 우리들 일상에 광범위하게 넘쳐난다. 이 같은 개념미술은 미술에 대한 보다 넓은 개념을 형성하고 있다. 특수한 종류의 물체(회화, 조각 등)와 동일시되지 않으며, 특수한 장소(화랑, 미술관 등)에 굳이 속하지 않아도 된다는 점에서 상당히 급진적이기도 하다. 사실상 이러한 개념미술은 우리들 자신의 행위와 반응에 대한 특별한 의식을 상기시키며 이를 주입시킨다.

3. 오토마 회를의 작업은 일상의 사물이나 이미지를 전유한다는 점에서 또한 팝 적인 전략에 해당한다. 1960년대 팝 아트는 무엇보다도 서구인들로 하여금 서구사회의 일상적인 일들을 매혹적인 것으로 받아들이게 하는 소통의 방법에 주의를 집중시킴으로써 이에 대한 비판의식을 갖도록 유도하는 방법이었다. 팝아트 작품의 대부분은 현실세계의 모습에 대한 거의 직접적인 묘사를 의도하고 있으며, 이 구상 형태 안에 함축되어있는 친숙함을 빌어 비판적 태도를 견지해왔다. 아울러 작품의 반복성은 현대 광고의 방식을 흉내 낸 것으로 볼 수 있다. 대표적인 존재가 워홀일 것이다. 광고는 대량으로 복제한 똑같은 이미지로 대중의 의식을 파고들어 그들을 세뇌하고 설득하는 것을 목표로 삼고 있다. 워홀은 이러한 대중매체와 상품, 광고가 지배하는 사회에서 예술의 희소성과 독창성에 가치를 두고 있는 전통적인 미술 시장에 저항하려 했다. 오토마 회를은 과거에는 실제 산업의 상품 생산 영역만을 결정했던 기계화, 표준화, 과도한 노동 분업 및 구획화가 이제는 사회생활의 모든 면으로 침투한 후기 자본주의 사회임을 강조하면서 이러한 삶을 지배하고 있는 반복과 복제를 더욱 강조하고 있다. 실재가 사라지고 복제/시뮬라크르가 지배하는 사회, 나아가 주체가 상실되고 모든 충격에 냉담하고 무관심한 주체를 반영한다. 무수히 반복되는 그의 일련의 시리즈 작품은 그런 은유적 사례에 해당한다.

4. 오트마 회를의 작품은 손으로 직접 그린 일련의 회화 작품을 제외하고는 대부분 오브제 작업으로 이들은 한결같이 매끈하고 기계적이며 차갑다. 형식적으로 미니멀리즘에 유사하다. 절제된 형태를 공통적으로 거느리고 있는데 이는 명확성과 간결성에 대한 취향을 드러내고 있다. 특히 알루미늄판위에 실크스크린으로 전사한 작업인 <collection of formulas>시리즈와 별자리의 집합체 이름을 묶어 놓은 <constellation>시리즈는 흡사 광고판 같은 느낌을 준다. 이것들은 미술작품을 유동적이고 풍성한 자연에 대비되는 특수한 인공물로서 제시하고 있다. 규칙성, 엄격함, 환원주의적 본성을 그 특성으로 지닌 것이 바로 미니멀리즘이다. 디테일에 강박적 관심을 기울여온 전통적인 예술작품들에 반해 냉정한 기계적 특징을 부여한 엄격한 작품을 창조하는 것을 선호하고 있는 미니멀리즘은 특히 작품에서 개인적인 감정 표현이나 주관성, 그리고 작가의 존재를 제거함으로써 작가 자신의 주관적인 흔적을 지우고 있다. 따라서 미니멀리즘의 목적은 작품을 보는 이의 시선을 전적으로 그들의 앞에 놓인 물리적 대상에만 집중하게 한다. 아울러 반反작가적 제작 방식을 채택 산업적 제작 방식을 채택하거나, 일상용 제품을 활용하기도 한다. 오트마 회를 역시 주로 알루미늄, 플라스틱, 레고, 소켓 등 산업용품을 사용하고 주형을 이용해 떠내 반복해서 제작한다. 이러한 산업적 제작 방식의 요점은 작품의 탈개성화 및 대량화다. 미술가가 직접 제작하지 않기 때문에 작품에서 미술가의 손길이 남지 않고, 따라서 작품은 미술가의 유일무이한 개성을 담은 대상이 될 수 없다. 산업 기술을 이용하기 때문에 작품은 대량으로 제작될 수 있고, 따라서 복수로 제작된 작품들은 어떤 것도

다른 것보다 유일무이한 ‘원본’이 될 수 없다. 예술가만의 개성, 그리고 그 개성을 물리적으로 구현하는 특별한 손, 아울러 이러한 손을 통해 예술가의 개성을 작품에 전이하는 수작업은 의도적으로 거부된다.

오토마 회를의 폭넓은 작품 안에는 20세기 이후 현대미술이 남긴 여러 유산들이 밤하늘의 별처럼 무리를 이루어 빛나고 있다. 그러한 별자리의 궤적을, 그 빛나는 여러 흔적을 이번 인당미술관 전시를 통해 새삼 접할 수 있을 것이다.

개교 50주년 기념특별전 Part Ⅱ <Coexistence>

Ottmar Hörl – Materials that keep

asking questions

Park Young-taek / Professor of Kyonggi University, art critic

In the work of Ottmar Hörl, the German contemporary artist, various aspects of the Western contemporary art are linked in a simultaneous and complex manner. We get the impression that his work encompasses the representative art discourses of modernism and postmodernism developed after the 20th century. The work spectrum presented by Hörl seems to be greatly broad and deep covering a wide range from post-representation art, ready-made art, Pop art, conceptual art and minimalism to the concept of social sculptures advocated by Joseph Beuys. While mentioning four representative contemporary artists who had given the major influences on him, Picasso, Duchamp, Warhol and Beuys, he expressed his deep respect for these masters (teachers). He says that his work is imbued with their influences in a dense and intense way. In particular, Hörl made portrait sculptures of Duchamp and Beuys and made repetitive installations. Such works can be interpreted as a homage to them. At the same time, the sculptures can be considered critical statement about the discourses of contemporary art that have been formed and become as a common sense, as well as infinite reproducibility of concepts.

Hörl’s work is not only a work based on the Western contemporary art history but also a reaction to the core features of contemporary art understood by himself. He comments, “An artist has a certain value in the society only when he/she can give an impact on the society.” Today’s art is not about mere decorative visual images or material existence but about a role as a medium that expands eyes to see the things and the world and recognize them newly. The visual images before modernity played a role as an object subordinate to specific purposes. On the other hand, art posterior to modernity is focused on not only asking the concept of art but also reflecting on the role of art in the society. It started to play a role in inducing overall self-reflective questions regarding life and culture and encouraging people to reflect on diverse problems of the reality given to people, by inevitably sticking to conceptual tendency of art and borrowing visual images and materials. The art world of Hörl also operates within this scope. Multifarious works he tries ultimately aim to awaken five senses of viewers, ask questions, help viewers understand and invite viewers to a new perspective.

1. Hörl’s works currently exhibited in Daegu Indang Museum can be largely divided into two dimensional(plane) works and three-dimensional works. The two-dimensional painting works are composed of Alien beings and ll Mare. As for Alien beings, it is a painting work emphasizing the artist’s physical action and property character of paints. At the same time, it is a peculiar drawing work that deviates from representation of a specific object to display coincidental aspects in which spontaneous linear movement and energy are prioritized while lines /lumps full of mysterious vitality are expanding in an indefinite manner. It offers vitality to paints tracking the journey that seeks another existence through it in an interesting way. On the other hand, Il Mare reminds us of the image of waves through the traces made by brushstrokes (that swept through the canvas at instant and urgent speed) presenting a similar style of abstract expressionism. At the same time, the work makes us vividly perceive the intrinsic nature of material (materiality) of paints. Lego wall object based on aluminium and plastic can be also considered a painting of “objet” in company of a figuration with geometric abstraction. A similar touch of this work can be found in the Constellation series uniting the ensemble of constellation. This work amply corresponds to conceptual art and belongs to the same context as seen in the Collection of formulas series, the collection of chemical and other formulas transcribed with silkscreen on the aluminium plate. This is a method of borrowing the existing specific symbols, formulas and names to present them again through a mechanical methodology. In this work, Hörl incessantly demolishes the boundary between art and non-art and the quotidianity (everydayness) and art to make the different ambiguous. By giving a name or word instead of a specific image, the artist encourages the viewers to appeal to their memory and concepts after looking at and reading it. In this case, the completion of work is achieved not from the retinas but from the perception and brain of each viewer.

As for three-dimensional work, there is a serial work of which Hörl puts the head shape sculptures of his two admired artists, Duchamp and Beuys, on a long and narrow pedestal. In a similar context, there is a work where the artist stacks up dishes with a different size (Modern Sculpture). This strategy of transforming quotidian objects instead of the head shape sculpture into a significant sculptural material by stacking them up in the same context of human figure sculptures reminds us of the ready-made work. At the same time, by using a pedestal, which is still a conventional system making a sculpture a sculpture, Hörl interlocks the relationship of the two keeping a sort of tension. Whatever the object is, when we put something on top of a pedestal, we subconsciously deny the presentness of the object. Like a stage or a picture frame, the sculpture pedestal puts the sculpture on top of an unreal and attention requiring surface. Hörl puts a small head shape sculpture on top of the pedestal of which the form has transformed simply long, and locates the work at a particular position. The viewers look at the head sculpture as if to contemplate it from a distance. The head shape sculpture positioned like a landscape looks real yet unreal at the same time. This is the familiar existence that goes through infinite repetition and it became a common sense in contemporary art until turning into a system. However, it still needs to be newly interpreted and inherited.

At other times, Hörl repeatedly installed the miniature of Mt. Matterhorn of Switzerland. The image of the miniature model itself showing ever-changing aspects depending on the perspective has now become a very familiar cliché. Borrowing this kind of image is similar to Pop art-like borrowing. Moreover, Black stone, which is a lump work combined with many small sockets is considered a sculpture made of an “objet.”

2. Hörl identifies an artist with all his art activities and the concomitant artistic values. In Hörl’s work, concept is the core value and top priority. For him, attractive and well-made decorative art is just a secondary thing and fails to give big meaning. What matters most is “concept.” Of course, this is influenced by Duchamp. When Hörl composes a work out of external or internal motives or creates a work as a thing with specific significance, he also tends to choose and propose the existing things/”objets” instead of gathering his creativity and techniques. As is well known, Duchamp chose things with indifference and proposed quotidian mass- produced goods as his work instead of a work as a new and unique one. After selecting one of the existing mass-produced goods without a particular aesthetic feature, Duchamp liberated the product from the original functional role until making it useless. Later, he overturned the perspective and background knowledge of the viewers looking at the object by giving a title. This way, Duchamp transformed it into a substantive (real) art work. This is the case of the sculpture referred to as “Readymade” of Duchamp. Though this, an idea that an artist found out and not the work created by the artist has become an artwork. Duchamp’s strategy that minimized intervention of artists made the posterior contemporary artists think about the essence of artwork. This way, anything available in our daily life was able to become art.

Hörl also collects and brings his artistic idea from his daily life. For example, they comprise facial photographs of masters who had given great influences on him, pictures of Mt. Matterhorn, commonplace sockets (readymade), LEGO, chemical formulas and constellation names. The process of which such objects are created as an artwork is a series of process that juxtaposes fragments borrowed from a real world, rather than a process of creation or transformation.

On the other hand, the fact that Ottmar Hörl shows only formulas or words is a representative case of Word art, conceptual art. The definition by letters or symbols put on the wall not only exists visually, but also reminds us of memories of names of things or concepts. In addition, the artist emphasizes the difference between the artwork (?) written only with the designated name and the real object referred by the name. This is an attempt to transcend the limit between painting and sculpture. Despite the nonmaterial being, it makes us completely depend on the concept. Such letters and symbols are superfluous in our daily life though. This conceptual art forms a broader concept of art. It is highly radical in the sense that it is not identified with a particular type of objects (painting, sculpture) and is not forced to belong to a particular place (gallery, art museum). In fact, this conceptual art is reminiscent of special consciousness about our own behavior and reaction and instills this into us.

3. Hörl’s work corresponds to Pop art-like strategy in the sense that it fully counts on quotidian things and images. Pop art of the 1960s concentrated attention of people on the way of communication encouraging the Westerners to accept quotidian things of the Western society as something fascinating. Through this, Pop art practiced a method of inducing critical consciousness (criticism) regarding the fact. Most of Pop artwork is intended to nearly direct description of the aspects of the real world. By adopting familiarity connoted in this figuration form, it has been sticking to a critical attitude. In addition, repetitiveness of the work can be regarded as a method imitating contemporary advertising. The representative figure must be Andy Warhol. Advertisings using the identically mass-reproduced images aims to brainwash and persuade the public by penetrating into their consciousness. Warhol tried to resist the traditional art market of which the main value is based on scarcity and originality of art in the society dominated by mass media, commercial products and advertising. Hörl underlines that mechanization, standardization, excessive division and compartmentation of labor of the past that focused on determination of production of goods in the industry now form a post-capitalist society where all these factors have penetrated into every sector of our social life. Thus, Hörl accentuates repetition and reproduction dominating this kind of life. He reflects not only a society dominated by reproduction and simulacra where real substance had disappeared but also subjects cold and indifferent to all impacts where the subjectivity had vanished. His serial works that are numerously repeated can be the metaphorical case showing this phenomenon.

4. Most of Hörl’s work, except some serial painting work that are manually painted, is “objet”-oriented work. They are all smooth, mechanical and cold. In terms of a form, his work is close to minimalism. They have something in common. They have understated and temperate forms, manifesting preference for clarity and simplicity. The Collection of formulas series, a work transcribed with silkscreen on the aluminium plate and the Constellation series uniting the ensemble of constellation evoke the feeling as if they were advertising boards. They present an artwork as a special artifact in contrast to flexible and abundant nature. Minimalism is characterized by regularity, rigor and essence of reductionism. Unlike the conventional artworks that have been obsessed with details, minimalism prefers creation of strict work with cold mechanical features. Minimalism deletes the artist’s subjective traces by removing expression of individual emotions and subjectivity as well as the existence of the artist. Therefore, the purpose of minimalism consists in making the viewers looking at the work concentrate entirely on the physical object placed in front of them. Minimalism sometimes chooses an anti-artistic production method as a method of industrial production. Minimalism also practices the use of daily products. Hörl also uses industrial products such as aluminium, plastic, LEGO and sockets and casts a mold to produce them with repetition. The key point of this industrial production method is in depersonalization and mass production. Since the product was not directly produced by an artist, the work lacks the artist’s touches. Therefore, it fails to be an object embracing the matchless individuality of the artist. The use of industrial technology makes it possible to produce the work in a massive manner. For this reason, the plurally produced works cannot be unique “original works.” Such works intentionally deny the artist’s individuality and the special hand touches that embody this individuality as well as the manual work that transfers the artist’s individuality through this hand.

In a wide spectrum of Hörl’s work, a variety of legacy left by contemporary art posterior to the 20th century shines like night constellation in the sky. This exhibition held in Daegu Indang Museum will be able to invite you to the trajectory of this constellation and its multiple glittering traces.